Volimo priče o umjetničkim počecima. Uobičajena verzija ide ovako: genij se pojavljuje potpuno oblikovan, s prepoznatljivim glasom i nepokolebljivom vizijom. Pomislite na Basquiata koji je eksplodirao na scenu ili na Banksyja koji se materijalizirao s kompletnom estetskom filozofijom. Te priče su uvjerljive, romantične i gotovo potpuno izmišljene.
Stvarnost je zbrkanija, zanimljivija i beskrajno više ljudska.
Nedavno sam razgovarala s profesorom jedne prestižne akademije likovnih umjetnosti, što je razjasnilo nešto o čemu sam godinama razmišljala. “Trudimo se što je bolje moguće pripremiti studente za profesionalni art svijet,” objasnio je, “no postoji granica onoga što možemo pokriti u strukturiranom programu. Podučavamo tehniku, teoriju, povijest umjetnosti—temelje. Ali snalaženje u prijavljestvu za stipendije, izgradnja koherentnog portfolija, pisanje umjetničkih izjava koje stvarno nešto priopćavaju? Te vještine se razvijaju kroz praksu i, iskreno rečeno, kroz pogreške.”
Njegova otvorenost istaknula je nešto što svijet umjetnosti rijetko priznaje: jaz između učenja stvaranja umjetnosti i učenja snalaženja u umjetničkom okružju ne ukazuje na neuspjeh nijednog određenog pristupa već na prirodu samog umjetničkog razvoja.
Jaz profesionalne stvarnosti
Ovaj izazov nije karakterističan samo za svježe diplomirane umjetnike. Samouki umjetnici često se suočavaju s još strmijim usponom. Možda su kroz godine predane prakse razvili izvanredne tehničke vještine i prepoznatljivu viziju, ali se muče s profesionalnim rječnikom potrebnim za kontekstualizaciju svoga rada. Bez pristupa institucijskim kritičkim sesijama, stvarali su u relativnoj izolaciji, bez strukturiranih povratnih informacija koje pomažu umjetnicima uočiti vlastite slijepe točke.
S druge strane, formalno školovani umjetnici izlaze s teorijskim predznanjem, ali se muče s prevođenjem akademskog znanja u praktičnu primjenu. Oba puta dovode talentirane stvaratelje na isto mjesto: potrebu za kontinuiranom podrškom u premošćavanju jaza između stvaranja umjetnosti i izgradnji održive prakse.
Picassov paradoks
Čak i Picasso—možda naš najupečatljiviji primjer umjetničkog “genija”—pobija mit o potpuno oblikovanom umjetniku. Njegovi radovi iz Plave faze malo odišu kubističkim inovacijama, koje su se i same dramatično razvijale tijekom godina intenzivne suradnje s Braqueom. U kasnijim godinama još uvijek je eksperimentirao s keramikom, litografijom i novim pristupima slikarstvu. Čovjek koji je navodno višestruko revolucionalizirao umjetnost bio je, u stvarnosti, serijski učenik koji nikad nije prestao napredovati.
Impresionisti se nisu pojavili iz svojih ateljea s gotovim pokretom. Raspravljali su u kafićima, nemilosrdno kritizirali jedan drugome radove i razvijali svoje tehnike kroz žustru razmjenu mišljenja. Apstraktni ekspresionisti famozno su se okupljali u Cedar Tavern-u, ne samo da piju, već da raspravljaju, izazivaju jedni druge i dorađuju svoje ideje kroz zajednicu.
Valja primijetiti da su mnogi od tih umjetnika dolazili iz različitih pozadina. Neki su imali formalnu umjetničku naobrazbu, drugi su uglavnom bili samouki, no svi su prepoznavali da se velika umjetnost rađa kroz kontinuiran dijalog, strukturirane povratne informacije i neprekidno učenje. Mit o usamljenom geniju je upravo to—mit.
Univerzalna potreba za perspektivom
Ovaj obrazac vrijedi bez obzira na to kako umjetnici počinju svoju putanju. Samouki umjetnici često posjeduju izuzetne intuitivne sposobnosti, ali enormno profitiraju od informirane vanjske perspektive o konceptualnom teritoriju njihova rada i povijesnom kontekstu. Formalno obrazovani umjetnici možda razumiju teoriju umjetnosti, ali se muče artikulirati vlastitu viziju bez akademskog žargona.
Umjetnici u srednjoj fazi karijere—bez obzira na obrazovnu pozadinu—suočavaju se s razvojnim izazovima: razvijanjem prakse bez gubitka autentičnosti, navigacijom kroz profesionalne prijelaze ili probijanjem kroz kreativne platoe. Etablirani umjetnici susreću se s promjenjivim tržištima, novim tehnologijama ili jednostavno prirodnim razvojem vlastitih interesa i preokupacija.
Svaka faza zahtijeva različite vještine, svježe perspektive i često strukturiranu podršku. Umjetnik koji tvrdi da ima sve posloženo ili je iznimno sretan ili nije dovoljno pozorno pratio vlastiti razvoj.
Dalje od romantične priče
Mit o potpuno oblikovanom umjetniku nije samo netočan—štetan je. Sugerira da traženje povratnih informacija, mentorstva ili kontinuiranog učenja označava slabost, a ne mudrost. Implicira da “pravi” umjetnici ne trebaju potporne sustave, zajednice ili kontinuiran razvoj.
No ako iskreno pogledamo povijest umjetnosti, vidimo suprotno. Najinovativniji umjetnici—bez obzira jesu li proizašli iz akademija, šegrtovanja ili su svoje umjetničke karijere oblikovali isključivo samostalno—često su bili najviše povezani sa zajednicama istomišljenika (ili, naprotiv, onih s kojima su se mogli dobro raspravljati i, ponekad, čak i posvađati), najotvoreniji za kritiku i najpredaniji kontinuiranom učenju.
Profesor s kojim sam razgovarala savršeno je to sažeo: “Obrazovanje daje studentima alate za početak. No umjetnički razvoj? To je doživotni projekt—i to se odnosi na svakoga tko ozbiljno shvaća svoju praksu, bez obzira na to kako je počeo.”
Možda je vrijeme da proslavimo tu stvarnost umjesto održavanja mita. Uostalom, ako je Picasso još uvijek učio sa 90 godina, možemo i mi.
Strukturiran umjetnički razvoj vrijedan je u svakoj fazi i s bilo kojeg polazišta.
Naši programi umjetničkog coachinga prepoznaju da se velika umjetnost rađa kroz kontinuiran dijalog, povratne informacije i zajednicu—pružajući informiranu perspektivu i potporne strukture koje su oduvijek bile ključne za umjetničke inovacije, bilo da gradite na formalnoj naobrazbi ili nezavisno razvijate svoju praksu.
Kad smo na temi premošćavanja jaza između znanja i djelovanja: ako ste spremni prijeći od razumijevanja umjetničke vidljivosti na njezino stvarno provođenje, vodim fokusirani 14-dnevni tečaj “Vidljivost u akciji” koji počinje 1. srpnja—samo €27 do 30. lipnja jer ponekad i najmanji korak naprijed čini najveću razliku.